L'oeil vitreux

Au large de Sigma 7B-X835

2011-07-08T07:33:00.000-07:00

A voyager jusqu'aux confins de l'Univers, on se dit que, finalement, il n'y a pas de quoi être dépaysé...

Une co-production l'oeil vitreux et le blog du futur.

Dolls of the Shogun's Harem

2010-09-26T06:37:00.000-07:00

Ôoku jyûhakkei, de Norifumi Suzuki ,1986, Japon

Alors que le Shogun se livre à une chasse au lapin festive, l'animal le guide à l'écart de la foule, dans les bois. Là, entre les feuillages, une jeune paysanne au sourire rayonnant se baigne sous une cascade d'eau pure et fraîche. Ce spectacle laisse un moment ému le chasseur qui décide de changer de proie. Il se lance à la poursuite de la jeune fille.

La jeune Natsu, entrée dans le harem du shogun, s'éprend rapidement le l'homme qui l'avait violée et qui s'avère finalement un homme délicat et amoureux. Nous suivons alors le parcours de chacune des épouses qui semblent mener un quotidien de rêve, parsemé de fleurs, de tissus aux couleurs vives, de sensualité, d'ébats amoureux, de festivités printanières... Mais tout ceci n'est qu'une illusion, une façon de faire passer le temps. Car tout est en suspens. Ce que l'on attend ? C'est que l'une des femmes donne enfin un héritier au shogun.

Lorsqu'enfin l'une des jeunes amantes tombe enceinte, on apprend que l'enfant n'est pas du shogun.
C'est ici que la vie paradisiaque s'effondre et que l'on comprend le coût de ce luxe : la fille est torturée dans une cave qui semble être l'enfer. Les couleurs et les sourires jusqu'alors exacerbés étaient rafraichissants et naïfs. Dans cette scène, ils deviennent démoniaques, malsains et terrifiants.
L'eau dans laquelle se lavait la jeune Natsu au début du film est violemment jetée sur la fille considérée comme impure. C'est une scène très esthétisée et à la fois très dure à voir.

Une autre des épouse veut l'aider à s'enfuir et est poursuivie pour être tuée.
Heureusement, elle connait un jeune médecin de la ville qui la garde cachée chez lui.

Pendant ce temps, le shogun, déprimé et affaiblit, s'éprend d'une ménagère du palais et la met enceinte avant de mourir. Commence alors une enquête dont est chargé le jeune médecin travaillant pour plusieurs affaires impériales.

Le ton change. L'enquête est traitée avec un humour très surprenant et je n'en dévoilerai pas plus !

La musique de ce film est exceptionnelle. Elle est composé par le groupe Haru, un des spécimens des années 80 , de la "techno pop de style japonais".

Voici la bande annonce (surprenante car aucune des images n'est dans le film mais l'ambiance est là ! Ainsi que la musique.)

La Vitre

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Cache-cache pastoral

2010-05-21T20:00:00.000-07:00

Dennen ni shisu, de Shûji Terayama, 1974, Japon

Une horloge cassée devenue trop bruyante, une jeune femme noyant son bébé dans la rivière pour le protéger de la haine des villageois, une montagne de la mort où le vent ne cesse de souffler, une mère au visage d'homme...

Et quelque part, dans la forêt, une étrange troupe de cirque venue s'installer.
Une femme au corps gonflable, une autre à la langue de serpent, un nain, un géant....

Shin-chan a 15 ans. Il sent qu'il est temps pour lui que quitter la maison natale mais le chemin est plein d'obstacles et quand bien même il y parviendrait, toute sa vie, il sera hanté par cette enfance comme si jamais il n'avait pu la fuir.

Cache-cache pastoral est un festival de lumières, de personnages, de symboles, d'érotisme, de musique...
Le cinéma de Terayama est un cinéma expérimental et cru. Il accorde beaucoup d'importance au spectateur, et pour ne rien gâcher, je ne livrerai aucune interprétation de l'œuvre.
La musique, de J. A Seazer est d'une force et d'une originalité qui mérite à elle-seule le détour.

La Vitre

Cinq secondes avant l'extase

2010-04-14T18:42:00.000-07:00

Taimu Abanchûru: Zecchô 5-byô mae, de Yôjirô Takita, 1986, Japon

Tokyo, 1986.
Secrètement amoureuse de son chef de service, Etsuko, soir après soir, se résigne aux plaisirs solitaires.
Une nuit d'orage, l'énergie orgasmique qu'elle dégage entre en résonance avec son poste radio et la propulse à travers le temps, quinze années dans le futur.
L'occasion de jeter un coup d'oeil furtif sur son avenir.

A écumer les rayons louches du vidéoclub local, il faut bien se faire à l'idée : les jaquettes, tour à tour bondage ou SM, exhibant femmes en pleurs ou ligotées, ne promettent que guère de réjouissances.
Depuis sa naissance au début des années 70 jusqu'à ses derniers ébats à la fin des années 80, le Roman Porno connait une escalade de violence spectaculaire, jouant avec parfois beaucoup de complaisance sur les névroses les plus extrêmes de son public.
Par chance, existent ça et là quelques exceptions, petites perles d'hédonisme dont on aurait tort de se priver.

Le moins que l'on puisse dire à propos de Cinq secondes avant l'extase, c'est qu'il distille une bonne humeur communicative et ne se montre jamais ni scabreux ni racoleur.
Le postulat abracadabrant du film éveille l'attention et son développement ne déçoit pas.
Comédie érotique de science-fiction, voilà un genre hybride et boiteux. Yojiro Takita parvient à parfaitement équilibrer et mélanger ces trois éléments.

Le film charme par son humour constant, jusque dans les scènes érotiques, par conséquent très ludiques. Un humour léger et insouciant que l'on retrouve souvent dans les productions japonaises des années 80.
L'aspect science-fiction est, à ce propos, l'occasion de nombreux jeux. Takita est suffisamment malin pour ne pas chercher une extrapolation au 1er degré du monde du futur. Il choisit au contraire de lui donner une apparence ultra-kitsch très colorée, un peu vieillote.
Le cadre joue avec les formes géométriques pour recomposer un monde futuriste à partir d'éléments contemporains isolés de leur contexte et utilisés en décalage. Par exemple, le toit d'un immeuble à peine remaquillé devient le Shibuya du futur.
La machine à voyager dans le temps est un assemblage hétéroclite de cabine de bronzage et de gouvernail de bateau, égaillé de quelques guirlandes de noël.
Un casque de coiffure posé sur une télé rétro permet de réinventer le visiophone du futur.

Les possibilités sont infinies. Les décorateurs transforment les limitations budgétaires du film en source de créativité, voilà qui est plutôt malin.

Les séquences érotiques, pour ne rien gâcher, sont plutôt bien tournées et astucieusement intégrées au scénario. Elles ne sont jamais gratuites ni désincarnées et prolongent l'état d'esprit des personnages.
N'importe quel réalisateur mal intentionné aurait soumis sa pulpeuse héroïne à mille culbutes imposées. Tour à tour rêveuse, observatrice ou amante, Etsuko est avant tout un pesonnage humain qui force à l'empathie et pas seulement un corps objet de fantasmes (et ce malgré d'évidents atouts).

L'ensemble forme un divertissement charmant, un ébat insouciant et coloré à consommer sans hésitation.
Le voyeurisme, revers malsain du cinéma érotique, est dédramatisé.
Le réalisateur et les personnages du film vous le diront : il n'y a pas de mal à regarder.

Un extrait du film : l'arrivée dans le Tokyo du futur

PS : le film sortira en France le 5 mai 2010 dans la collection dvd Roman Porno lancée par l'éditeur Wild Side.
Yojiro Takita, qui en plus de Cinq secondes avant l'extase, a réalisé pas moins d'une trentaine de films érotiques, a gagné en 2009 l'oscar du meilleur film étranger avec Departures.
C'est le signe qu'au Japon les genres ne sont pas cloisonnés et qu'un artiste peut aller et venir entre cinéma populaire et cinéma d'auteur sans être stigmatisé. C'est une très belle liberté.

L'Œil

Roman Porno

2010-03-11T22:20:00.000-08:00

Cher lecteur fébrile,

L'œil vitreux prend quelques vacances.
Nous serons de retour en avril.

En attendant, pour faire patienter les plus coquins d'entre vous, voici une petite initiation en images au Roman Porno, ces films érotiques japonais des années 70-80, très esthétisés.

Night Clinic

2010-02-28T02:28:00.000-08:00

Yoru no Shinshatsushitsu, de Obimori Michihiko, 1971, Japon

A quoi servirait de vivre au Japon si on ne profite pas de pouvoir regarder tous les films introuvables japonais qui (assurément) jamais ne sortiront ailleurs dans le monde et jamais ne seront diffusés sur le net ? Voici ce que je me suis dis en voyant cette belle jaquette dans les rayons du Tsutaya (une des grandes chaines de vidéo club du Japon). J'avoue être passée devant plusieurs fois avant de me décider puisque je n'avais aucun moyen de savoir quel genre de film contenait ce boîtier. Mais c'est comme ça le Japon : il arrive toujours un moment où l'on craque devant une belle jaquette...

Je visionne donc le film-mystère non sans une petite excitation due au fait que je ne sais pas à quoi m'attendre.
Le film commence sur une rétrospective sur la sexualité au Japon dans les années 70. On a le droit à de jolies compositions d'images faites de découpages et collages ainsi que de photos défilant rapidement qui annoncent un film ... sexuel ?

Puis, un enchainement de photos nous rapproche du lieu où se déroule l'action et nous présente chaque personnage. Sakaki, travaille dans une clinique où l'on traite les problèmes sexuels de couples. Son propre père en est le directeur. Vient se joindre à la petite famille, un jeune étudiant venu se faire un peu d'argent en aidant. Ce dernier s'implique... un peu trop dans l'étude du domaine semble-t-il et passe ses journées le nez fourré dans des bouquins louches...
Les clients viennent parler de leurs problèmes conjugaux (d'ordre sexuel bien entendu !) à la clinique et c'est aux actions de Sakaki que l'on doit la réussite du traitement. Celle-ci n'hésite pas à intervenir dans les relations pour y apporter du piment ! Nous suivons ainsi les histoires de deux clientes et celle de Sakaki. Elle rencontre un jeune playboy, auteur de roman pornos qui se trouve inspiré par les récits fous (inventés) de la jeune fille. Ils s'éprennnent l'un de l'autre et même s'il échoue aux tests de personnalité de notre héroine obsédée par l'étude psychologique de ses clients, ils finissent par se marier (et oui...le Japon! Terre de contrastes !)

Le scénario n'est pas fascinant et pas aussi sexuel que le laissait présager l'introduction...Mais le film n'est pas dénué de charme pour autant : Night Clinic est un film pop un peu sexy et très amusant pour les yeux : jeux de miroir à foison, cadrages jouant sans cesse sur le décors, pas ou peu de plongée/contre-plongée ; le film se donne un style théâtral : l'histoire, en 3 sketchs, présente les personnages souvent en pieds ou en vue frontale etc...

Les décors sont très travaillés tant du point de vue de leur composition que des éclairages et des couleurs. La scène qui illustre le mieux ce travail est celle qui se déroule chez l'écrivain. Celui-ci vit dans un appartement complètement décoré façon "luxure". Les images parleront mieux que moi de l'amusement avec lequel sont disposés les éléments et les personnages.

En ce qui concerne les éclairages, les scènes à la clinique sont parfaites : chaque consultation étant l'occasion d'immerger le client dans une lumière de couleur.

Il y aurait encore beaucoup à dire sur les techniques dont use le metteur en scène mais qui sait, peut-être aurez-vous l'occasion un jour de le voir ce film.

La Vitre

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La Belle et la Bête

2010-02-22T23:25:00.000-08:00

Panna a netvor, de Juraj Herz, 1978, Tchécoslovaquie

Une caravane de marchands se fraye un chemin dans la forêt embrumée, luttant contre la végétation, le sol où s'embourbent les chariots. Embusqués, des brigands sans pitié... et, plus profondément dans la forêt, une silhouette, une créature sans nom, effroyable...

Adaptation tchèque de la Belle et la Bête, le film trouve un angle personnel et se démarque sans peine du chef-d'œuvre de Cocteau.
Le contexte n'y est pas étranger : situé dans les limbes d'un moyen-âge froid et obscur, proche des peintures de Bruegel et Bosh, il est plus propice à la violence et l'effroi qu'au candide émerveillement et à la poésie nocturne.
Dès les premières minutes, le film installe un décorum horrifique stupéfiant : arbres griffus noyés dans le brouillard, ruines d'un château abandonné, marais putrides... et une musique d'orgue, funèbre à vous glacer le sang.

La Mort et le Diable arpentent le monde, la peur est palpable sur le visage des personnages.
Rares sont les films qui ont su retranscrire avec une telle force cette ambiance de fin des temps qui hantait les esprits à cette époque. C'est un monde fatigué, en proie aux ténèbres et au froid, qui bascule sans peine dans l'irrationnel.

La beauté du film, c'est que ce basculement s'opère par l'entremise du son.
Probablement en grande partie post-synchronisé, non réaliste, il met en place un univers complètement fantasmagorique, en parfait contrepoint des images très réalistes et de la reconstitution historique soignée.
Peu de sons trouent le silence, sélectionnés avec soin, amplifiés. Ils résonnent comme dans une cave.
Le galop d'un cheval que l'on ne voit pas. Plus tard, le cri des corbeaux. Puis des pas sur un dallage.
L'étrangeté devient palpable et le fantastique fait irruption avant même son entrée dans le champ.

La Bête rode.
Elle n'est pas féline et altière, comme chez Cocteau. C'est un résidu, mélange de plusieurs races, dernier de la lignée d'une monstrueuse famille (voir la scène effrayante et mystérieuse de la galerie des portraits en bas de cet article), restée seule à habiter le grand château en ruine.
Créature malade, en partie homme, animal et oiseau, la Bête est l'une des grandes réussites du film. Son maquillage et son costume sont fascinants.

Le film est à l'image de sa créature tiraillée entre ses pulsions bestiales et son amour de la belle : il va et vient entre horreur et romantisme, réalisme et onirisme, dans un clair obscur qui joue sur les extrêmes.
Parfois très sombre et désespéré, parfois éblouissant de lumière.

L'équilibre est toutefois compromis car la lumière y est teintée d'illusion. Pourtant, elle semble protégée des griffes cruelles du réel, le temps du film.
Car tout ceci n'est qu'un conte.
Et, nous le savons, dans la réalité, la Bête a mangé la Belle.

L'Œil

En bonus, une scène du film : la galerie des portraits.

Elmer le remue méninges

2010-01-16T22:34:00.000-08:00

Brain damage , de Frank Henenlotter (1988)

Quand j'étais petite, j'allais souvent chez deux amies dont le père détenait une collection incroyable de films de série B. Nous n'y avions pas accès mais, dès que celui-ci s'absentait, les filles se ruaient sur la bibliothèque de VHS et s'amusaient à regarder ce qui leur passait sous la main. J'étais assez curieuse de savoir ce que contenaient ces boitiers aux jaquettes complètement déjantées. Celle qui m'est le plus restée en mémoire est certainement celle de Brain Damage que je connaissais à l'époque sous le titre français : Elmer, le remue méninge.
Avec un nom pareil et une jaquette aussi délirante, ça ne pouvait qu'être amusant à regarder. Et pourtant, il m' était resté un sentiment très noir des quelques scènes que je me remémorais.

Près de 14 ans plus tard, je décide de visionner à nouveau le film. Et là, c'est une révélation. De nombreuses critiques considèrent Brain Damage comme un film fun et trash... Pourtant, ces adjectifs ne suffisent selon moi absolument pas à définir le travail de l'ambitieux réalisateur Frank Henenlotter.

Brian se réveille un jour avec de terribles maux de tête, des hallucinations et un trou dans la nuque. Heureusement, ce n'est qu'Elmer, cette marionnette de forme phallique aux airs d'intellectuel, qui vient d'élire domicile dans le corps du jeune héros. Elmer propose à Brian (a-t-il seulement le choix?) une nouvelle vie emplie de musique et de couleurs. Brian est comblé dans un premier temps et il lui semble qu'il redécouvre le monde à chaque fois qu'Elmer lui injecte cet espèce de liquide bleu qui stimule le cerveau.
Les choses se gâtent quand il comprend que la bestiole se nourrit de cerveaux humains et profite des "absences euphoriques" du jeune garçon pour tuer les gens qui l'entourent.
Malheureusement tout le monde sait combien il est difficile de se sevrer d'une drogue et Brian ne peut plus vivre sans Elmer.
Alors il tente tant bien que mal de s'éloigner de ses proches pour ne pas les exposer au danger...

Pour avoir vu quelques films de Frank Henenlotter, je crois pouvoir affirmer, sans prendre trop de risques, qu'il affectionne particulièrement les éclairages bleu et rose/rouge. "Pourquoi commencer par ce détail ?" me demanderez-vous. Imaginez un instant un film constamment baigné de ces deux couleurs... on finit par étouffer. Aucune lumière naturelle dans Brain damage; l'histoire se déroule toujours de nuit comme s'il n'y avait aucun échappatoire pour notre jeune drogué avant même l'arrivée d'Elmer. On comprend que le personnage est mal barré dès sa première apparition, couché dans sa chambre complètement bleue, comme un aquarium. Celle-ci se remplit même d'une eau colorée en bleu, dans la séquence du premier trip du héros. D'autre part, les plans se resserrent constamment, venant accentuer cette atmosphère de confinement.

Frank Henenlotter aime les gros plans. Attention ! Je ne parle pas de ces gros plans à but unique de concentrer le spectateur sur le discours du personnage. Au contraire, il s'agit de plans rapprochés sur le visage inexpressif du personnage, sans dialogue, permettant d'observer tantôt le vide existentiel dans lequel il se trouve, tantôt ses frémissements de plaisir sous l'effet des injections. Et je peux vous dire que c'est sacrément efficace ! Non pas que le jeu d'acteur soit incomparable mais cette façon de s'éterniser sur son visage pris de sensations fortes nous force à imaginer le ressenti... Cela joue beaucoup sur l'originalité du film qui est l'un des rares à véritablement nous transporter dans les jouissances de la drogue avant de nous en montrer les revers.

Si dans un premier temps, nous sommes séduits par une sorte de sensualité omniprésente (rappelons nous le premier trip de Brian : la scène de la chambre se remplissant d'eau, sur un fond de musique psychédélique incroyablement calme, nous plonge dans une ambiance très sensuelle malgré l'inquiétude qu'elle provoque), petit à petit, le film mène sur une sexualité exacerbée. Cela débute avec les injections d'Elmer (le ver à forme phallique) qui sont comme une masturbation ; puis, au sommet de l'extase : la scène de la fille de la boîte de nuit qui fait une fellation à notre jeune héros dont les parties intimes ne sont autres que le joyeux Elmer affamé !

Vous l'aurez compris, Frank Henenlotter ne prend pas de pincettes et pousse au maximum le trash, le gore et le sexe. Les décors du film (bas quartiers new-yorkais des années 80) contribuent à dégoûter le spectateur et à instaurer une ambiance inquiétante : par exemple, après être allé au restaurant chic avec sa copine, pour mettre les choses au clair (occasion manquée), Brian se voit contraint de quitter la table précipitamment parce qu'il est en manque de "liquide bleu". Un long traveling latéral sur les trottoirs de la ville (de nuit évidement) suit le héros qui se dirige au pas de course vers les quartier chauds. C'est comme une descente aux enfers confirmée par le nom de la boîte de nuit dans laquelle il entre: Hell
Autre scène marquante : le cimetière des voitures ( oui oui, la même décharge que l'on peut voir dans Street trash de Jim Muro qui a travaillé avec Henenlotter sur Brain Damage )
Brian, pris d'hallucinations lumineuses et colorées, se promène entre les carcasses, saute et les escalade. Les empilements et tunnels de voitures sont filmés avec rapidité, la caméra poursuivant le personnage dans le dédale. La scène est à la fois oppressante et forte en sensations. Encore une fois, la musique si particulière colle parfaitement avec ces deux ressentis.

La dimension psychédélique n'est pas uniquement contenue dans l'histoire. Pour reparler du premier trip : rien n'est dit, on ne sait pas d'où ça vient, c'est lent, on se contente de le vivre. Tout le long du film, on ressent les effets de la drogue à travers les délires visuels (surimpressions, filtres de couleur... ) , ses effet séduisants (perte de repères et sexualité sont enivrants).

Puis on vit de plus en plus mal le confinement, au début si confortable. On ressent du dégoût en découvrant la saleté dans laquelle se retrouve le personnage (magnifique scène de la chambre d'hôtel complètement délabrée où le héros tente une désintoxication). Le dernier trip du héros est complètement sordide : le décor est simplement noir, plus aucun repère, Brian est nu, son corps couvert de ventouses, comme un monstre, et il dévore lui-même la cervelle de sa copine.

Il y aurait encore beaucoup à dire sur le film et ses expérimentations (réussies) mais j'en ai déjà trop dévoilé. A vous de découvrir le reste...

La Vitre

Parasites

2010-01-08T20:40:00.000-08:00

La cinémathèque secrète de l'œil vitreux

Cher lecteur,

Il existe, dans les sous-sols de l'oeil vitreux, quantité de films rares et précieux dont beaucoup sont inconnus du public.
N'avez-vous jamais rêvé de voir le tout premier long métrage de David Lynch, réalisé 8 ans avant Eraserhead ? Ou visionner les rushes du "Désert Rouge", mis en scène par Charles Laughton dans la foulée de la "Nuit du chasseur", mais dont la pellicule fut mystérieusement perdue avant le montage ?Et ne donneriez-vous pas votre vie pour assister à la projection de l'unique copie du "Dune" d'Alejandro Jodorowsky, film maudit dont on vous a dit, à tort, qu'il ne fut jamais tourné ?

Un jour, peut-être, nous exhumerons pareils trésors.
En attendant, voici : "Parasites".
(Copyright l'oeil vitreux MMX)

N'hésitez pas à monter le son et à afficher la vidéo en plein écran pour profiter d'une immersion complète.

Valérie au pays des merveilles

2009-12-21T17:52:00.000-08:00

Valerie a tyden divu, de Jaromil Jires, 1970, république tchèque

C'est un film lumineux, d'une totale simplicité, et pourtant presque opaque.
Valérie joue parmi les fleurs : un jeune homme lui vole ses boucles d'oreilles puis, le soir venu, les lui offre. Valérie marche dans les champs : trois gouttes de sang viennent tacher une pâquerette.
Valérie rentre chez elle : dans la rue, elle aperçoit un homme au visage effrayant dissimulé derrière un marque de furet.

Valérie va et vient entre l'enfance et le monde des adultes, entre lumière et obscurité.
Mais la force du film est de ne jamais se conforter dans une opposition facile, dans une symbolique déterminée.
Il y a bien cette pâquerette tachée de sang ainsi qu'une multitude d'autres images riches de sens (du vin se répand sur la table, une représentation sculptée du pêché originel abrite une colonie d'abeilles,...). Mais à peine ces images orientent-elles la lecture que déjà les pistes sont brouillées, les limites floues, et on ne sait plus vraiment à qui ou à quoi attribuer telle ou telle signification.
Le film se construit par oppositions et cassures qui s'accumulent, s'enrichissent, se contredisent, entraînent le spectateur dans une spirale sans fond.

Le cadrage, qui découpe les lieux et les extrait de tout espace géographique cohérent, accentue ce mouvement. Puisque chaque lieu est isolé, à la manière d'une succession de toiles dans une galerie de peinture, le montage donne la cohérence à l'ensemble, jouant sur une volonté presque systématique de rupture. C'est sans cesse surprenant : impossible de deviner quand une scène va s'interrompre, ni de quoi sera faite la suivante, quelle tonalité elle aura.

Un univers étrange fait surface, peuplé de vampires livides et de nymphes coquines, tiraillé entre un moralisme dur, sec, hypocrite et un érotisme libéré, insouciant.
Mais jamais le film ne se fait moralisateur et parvient à garder légèreté et équilibre, fusionnant les contraires en un même mouvement :
L'horreur peut être surmontée mais ne meurt jamais vraiment.
L'innocence est brisée mais ses fragments la ressuscitent sans cesse.

Dans Valérie au pays des merveilles, les morts ne le sont jamais définitivement, les vieux semblent jeunes, les mariées sont livides comme des cadavres, la beauté n'est parfois qu'un masque.
C'est un tableau mouvant d'un univers où le bien et le mal sont si étroitement enchevêtrés que laideur et beauté se côtoient, sans que l'un ne semble contredire l'autre.

L'Œil

Galerie d'images :

Prologue

2009-12-21T17:51:00.000-08:00

Prologue